Sophia Abidi, Université Sorbonne Nouvelle, sophia.abidi@sorbonne-nouvelle.fr
The Australian “Psy” Sound Renaissance and its Impact on Global Underground Music Scenes
This paper refers to the early 2020s renaissance of an Australian musical subculture and identity, particularly young Australian artists and their active work in contemporary Australia’s soundscapes, shaping worldwide nightlife sonic landscapes. Through vibrant nightlife subculture and a commitment to alternative musical expression, young Australians are shaping a distinct soundscape that defines the Australian sound renaissance of the early 2020s.
Through ethnographic fieldwork analysing musical and social trends and qualitative interviews with young Australian artists and nightlife actors, I reflect on the cultural impact of the emergence of this “new” Australian musical genre on a national and global scale. This study also analyses the participation of young Australian adults within the music subculture and the correlation with their social and cultural Australian identity. With this research, I also intend to highlight the divergences between this emerging underground sound and other mainstream electronic dance music genres (EDM) in Australia and worldwide by exploring their different aesthetic codes.
This paper aims to highlight the contributions of young Australian artists to the emergence of a distinct underground music scene. It examines the contributions’ impact on challenging mainstream norms by fostering representation and inclusivity of often isolated communities—particularly LGBTQIA+ and BiPOC communities—within the nightlife sector. This paper delves into the reshaping of nightlife experiences within the emerging Australian soundscape subculture, exploring how its aesthetic and cultural dynamics contribute to broader transformations in cultural and personal identity, both individually and collectively. This interdisciplinary research further considers the belonging of the Australian sound renaissance of the early 2020s within the international music scene and its impact on the dance music genre altogether, increasingly resonating in recognised nightlife cultural hubs such as Berlin or Amsterdam, solidifying Australia’s position within the global underground music landscape.
Keywords: Youth studies, Australian identity, Cultural studies, Night studies, Urban sociology
Sophia Abidi (she/her) is a French-Tunisian doctoral student at the Université Sorbonne Nouvelle (USN) in Paris and a temporary teaching assistant at the École de Management de la Sorbonne (EMS) at the Université Panthéon Sorbonne Paris 1. Prof. Sarah Pickard supervises her PhD. Abidi is attached to the Doctoral School MAGIIE within the CREW Research Lab. Her projects rely on interdisciplinary fieldwork such as urban sociology, youth studies, behavioural studies, and cultural studies, specialising on young British and Australian adults. Her thesis work reflects on young people, mobilities, individual and collective behaviours, and cultural identity within Berlin’s artistic milieu.
Rose Barrett, Université de Lorraine, catherine-rose.barrett@univ-lorraine.fr
Love and Theft – Dylanification in European singer songwriter identities
In the world of popular songwriting, it might be said that if you love something, rather than setting it free, you steal it and make it yours. No artist embodies this more iconically than Bob Dylan, who, as Joan Baez sang, “burst on the scene already a legend, the unwashed phenomenon, the original vagabond”. Baez’s line echoes Harold Bloom’s last revisionary ratio, according to which a poet can overpower his precursors to become the new point of reference. Dylan quickly established his identity as one of the world’s most unique songwriters, an image reinforced throughout the decades despite, or perhaps because of, his numerous stylistic transitions. Rock scholar Deena Weinstein notes how Dylan was widely covered by other artists even when in the late 60s “a modern romantic notion of authenticity -creating out of one’s own resources – became dominant over the idea that authenticity constituted a relationship, through creative repetition, to an authentic source”. However, Dylan’s work is characterized by “creative repetition”, borrowing from literature, cinema, cultural and individual musical styles, readapting folksong lyrics and melodies, even recycling his own songs. As an internationally recognizable precursor, he set the precedent for other songwriters to reference, adapt and transform him in turn, creating a ripple effect of Dylanification across Europe. Two extremes of this can be seen, first in Francesco De Gregori’s search for textual and musical fidelity in his Italian-language tribute entitled Amore e Furto (a reference to Dylan’s album Love and Theft, which coincidentally garnered accusations of plagiarism for its borrowed lines). In contrast, German songwriter and BAP frontman Wolfgang Niedecken used Dylan as a springboard to create his own distinct aesthetic as a pioneer of Kölschrock, with Cologne dialect adaptations and a radical shift in musical genre taking Dylan’s songs so far from their original framework that on BAP’s earlier albums they are simply presented as Niedecken’s original compositions. Both artists acknowledged and incorporated Dylan’s influence in their own artistic identities and became massively influential within their respective countries’ rock scenes, raising questions about the perceptions and dynamics behind our ideals of originality in popular music.
References:
Bloom, Harold. The anxiety of influence. Oxford University Press, 1973.
Deena Weinstein. ‘The history of rock’s pasts through rock covers’, in Swiss, Thomas, et al. Mapping the Beat : Popular Music and Contemporary Theory. Blackwell Publishers, 1998.
Sibilla, Gianni. ‘Più amore che furto: De Gregori racconta Bob Dylan – l’intervista’. Rockol, 29 Oct 2015, https://www.rockol.it/news-648254/francesco-de-gregori-bob-dylan-amore-e-furto-intervista.
Rose Barrett is a doctoral student at the University of Lorraine. After obtaining diplomas in early music and historical performance practice in the US, Italy, and France, as well as working as a freelance translator, she turned to cross-disciplinary cultural studies and poetics in translation, building on her multilingual experience and her lifelong passion for rock music to explore the relationships between language, music, culture and artistic identity.
Charline Dossat, Université d’Orléans, charline.dossat@gmail.com
De la musique au théâtre : transformations des voix chantées et instrumentales sur la scène jamaïcaine
Cette communication se proposera d’explorer la notion de transition dans la musique au théâtre, et plus particulièrement dans trois pièces d’autrices jamaïcaines : Pocomania d’Una Marson (1938), Maskerade de Sylvia Wynter (1970) et Bellywoman Bangarang du Sistren Theatre Collective (1978).
Il s’agira d’étudier les transitions musicales dans ces trois pièces, au début ou à la fin du spectacle mais aussi entre les scènes. Les œuvres s’ouvrent toutes par le son des tambours, suggérant dès le début que la musique précède le texte et que son rôle est véritablement structurant.
On se proposera d’analyser plus précisément la fonction des tambours dans les rites de passage, par exemple dans les rituels du culte revivaliste Pukkumina représentés dans Pocomania, où les tambours semblent devenir un personnage à part entière. Dans Maskerade, les tambours sont également au cœur des pratiques sociales, cette fois-ci dans le cadre du carnaval Jonkunnu. Les tambours apparaissent alors cristalliser les tensions politiques et religieuses dans la société coloniale jamaïcaine, et servent à mettre en avant un héritage culturel africain dans un mouvement d’évolution vers un récit national anticolonial, et ce avant comme après l’indépendance du pays.
On se concentrera par ailleurs sur le rôle du chœur et de ses chants, ce qui permettra d’interroger les liens entre l’individuel et le collectif. Dans Bellywoman Bangarang par exemple, le chœur de femmes présent sur scène sert de miroir aux personnages féminins, et nourrit la réflexion proposée sur la maternité mais aussi sur les violences sexuelles, d’autant plus que le chant y est souvent associé à la danse. Il s’agira donc d’explorer la force du rythme musical et des corps dansants comme nécessaire à la création d’une connexion entre la scène et le public.
Charline Dossat est doctorante en études anglophones à l’Université d’Orléans depuis septembre 2024, sous la direction de Mme Kerry-Jane Wallart. Sa thèse porte sur la voix et la performance chez cinq artistes jamaïcaines : Una Marson, Louise Bennett, Sylvia Wynter, Jean “Binta” Breeze et Olive Senior, qui ont permis l’émergence d’un autre récit national voire nationaliste, entre exploration des politiques de l’identité jamaïcaine et revendication de valeurs féministes.
Elle co-organise cette année la journée d’étude de l’association CARACOL sur le thème
« L’humour et le rire dans la littérature et les arts de la Caraïbe » à l’Université de Poitiers.
Eric Doumerc, Université Toulouse-Jean Jaurès, eric.doumerc@univ-tlse2.fr
Jamaican Deejay Music in Transition: The Evolution from the Jiving Tradition to a More « Conscious » Approach
The Jamaican deejay tradition began to develop in the 1950s as an offshoot of the American « jiving » tradition initiated by US radio disc-jockeys on radio stations based in Miami or New Orleans. These American radio jocks took their inspiration from the black jiving tradition that came from the blues and R’n’B traditions. The early Jamaican toasting tradition was an adaptation of this American tradition and consisted of local interjections, shouts, nonsense lyrics and nursery rhymes. The idea was to get as many people on the dancefloor as possible and to encourage them to dance. Early Jamaican deejays like Count Machuki, King Stitt and Lord Comic thus developed that toasting tradition. U-Roy took it one step further. By the early 1970s that jiving tradition was being challenged by a new approach based on slower rhythms, « dreader » lyrics and a much more politicised approach.
The traditional narrative on that evolution from the toasting tradition to a more serious, conscious tradition identifies different factors that led to the emergence of the « conscious » deejay tradition in the early 1970s, like the growing influence of the Rastafarian movement, the influence of the American Black Power movement, and the deterioration of the living conditions of the population after independence.
This paper will use the theory of the language continuum to try to show that, rather than a break, the 1970s witnessed a diversity of practices that continued to coexist on a single axis, with various approaches favoured by various artists. Thus wordplay, wisecracks and jiving remained in abundance along with more serious approaches and a more « conscious », Rasta-influenced style.
Eric Doumerc teaches English at the University of Toulouse-Jean Jaurès. His research interests include Caribbean poetry, Caribbean music, and the Caribbean oral tradition.
Catherine Girodet, Université de Reims, catherine.girodet@univ-reims.fr
Nick Cave and the Consolation of Rock Music: Blazing a Transformative Trail through Grief
Music “is one of the last legitimate opportunities we have for a transcendental experience”
Nick Cave, 2024
Over the course of his forty-four-year music career, Australian singer-songwriter Nick Cave has been widely perceived as a prolific shape-shifter on the independent rock scene, on account of his broad musical palette spanning post-punk rock, blues rock ballads, garage rock and piano-led lovesongs.
In the wake of personal tragedy, from 2015 onward Cave’s music has taken a more urgent spiritual turn: whilst groping for a redemptive path through his grief, Cave has turned his attention to human existence, mortality and suffering, hence a new form of “life song-writing” forsaking fictional storytelling for more intimate meditations on existential meaning.
Indeed, Cave seems to have turned his grieving process into an ongoing interactive art project, whereby his songworld acts as a transitional epicentre where human suffering is processed and transmuted into communal life-affirmation and transcendental experience.
Focusing on Cave’s treatment of grief in the albums Skeleton Tree (2016), Ghosteen (2019), Carnage (2021), and Wild God (2024), this paper aims to probe Cave’s post-2015 music and live performances not only as a collective echo-chamber of human suffering, but indeed as a mutually transformative space where the intimate blends in with the universal, and audience and performer merge into communal catharsis and restorative lifeforce.
The purpose of this paper is to investigate Cave’s re-investment of music as an innovative idiom of grief, a redemptive emotional mode conducive to transcendental experience, which comes to full fruition in the new effusive performance dynamics underpinning Cave’s concerts.
Keywords: Nick Cave – rock music – transformative space – grief – catharsis – communal – transcendental experience
Catherine Girodet is a Senior Lecturer in Anglophone studies at Reims University (France) and is affiliated to the CIRLEP Research Centre (EA 4299) of the University of Reims Champagne-Ardenne (France). She is also an editorial board member of Reims University’s online academic journal Imaginaires https://imaginaires.univ-reims.fr/index.php/imaginaires. She is a member of the International Gothic Association (IGA) and of the International Association for the Study of Popular Music (IASPM-UK).
Catherine Girodet holds a PhD entitled Monstrosity in the Music of P.J. Harvey and Nick Cave: The Poetics of the Grotesque in Rock. Her research focuses on Gothic and grotesque aesthetics in rock music, and on interartistic and intercultural flux in popular culture. Her methodological approach draws upon cultural studies, Gothic studies, popular music studies, and literary theory.
Grégoire Halbout, Université de Tours, gregoire.halbout@gmail.com
Unfaithfully Yours ou l’impossible transition
Musique et sons, figures de la confrontation d’un britannique à la modernité américaine
À travers un exemple de fiction hollywoodienne, cette communication envisage d’illustrer la fonction narrative de la musique dont les changements de style brutaux déterminent et signalent les transitions vers une autre scène/séquence, en même temps qu’elle métaphorise l’impossible passage du héros (le chef d’orchestre) d’une culture à une autre.
Unfaithfully Yours (Preston Sturges, 1948) est un film musical dans lequel la musique est à la fois objet et sujet du récit. Un chef d’orchestre britannique s’y livre de manière fantasmatique à divers scénarios de vengeance contre sa femme, soupçonnée d’adultère, au gré des trois morceaux interprétés par son orchestre.
Il s’agit de montrer comment le récit brouille les espaces et les frontières symboliques créés par la musique en en organisant une juxtaposition soudaine et en apparence irrationnelle des univers musicaux. Il peut s’agir de musique diégétique (concert et répétitions); à d’autres, les trois œuvres de Rossini, Wagner et Tchaikovsky constituent une bande son non-diégétique, comme dans la séquence burlesque finale où le chef d’orchestre s’évertue à préparer le meurtre de sa femme en dépit de la résistance des objets. Le rappel en son off des morceaux joués pendant la représentation transforme le célèbre chef d’orchestre en clown et rabaisse des chefs d’œuvre du 19ème siècle au rang de musique d’accompagnement. Le plus souvent, la musique se situe dans un entre-deux onirique : les séquences où Alex de Carter en plein concert, imagine les solutions pour sortir de cette crise de jalousie constituent l’essentiel du récit.
On expliquera ensuite comment une double déconstruction découle de cet amalgame et du changement constant d’affiliation générique dans l’œuvre (film noir ou comédie burlesque). D’un côté, la musique et la narration s’affranchissent de la transition narrative classique pour s’imbriquer l’une dans l’autre, modifiant notre perception de l’espace, du temps et des personnages. De l’autre, cette dissolution traduit une perte de contrôle de son univers par le chef d’orchestre dont le mariage est envahi par un rival et qui se trouve lui-même étranger en terre américaine. Cette double intrusion traduit le conflit entre les univers et l’impossible adaptation du chef anglais à l’Amérique : l’accent américain de son épouse et la lenteur de l’orchestre blessent son oreille anglaise et musicale. L’obsession d’infidélité, les gesticulations et la cacophonie outrageusement britanniques du musicien disent la défaite de l’ancien monde devant la modernité du groupe américain où évolue sa femme et dont les apparitions encadrent le récit d’une manière hautement symbolique.
Orientation bibliographique
Halbout, Grégoire, Hollywood Screwball Comedy 1934-1945. Sex, Love, and Democratic Ideals, New York & London, Bloomsbury Academic, 2022 & 2023.
Jacobs, Diane, Christmas in July: The Life and Art of Preston Sturges, Berkeley, University of California Press, 1992.
Marks, Martin, “Screwball Fantasia: Classical Music in Unfaithfully Yours”, 19th-Century Music, University of California Press, Vol. 34, No. 3 (Spring 2011), pp. 237-270.
The Criterion Channel, commentaire de l’œuvre en voix off par James Harvey, Brian Henderson et Diane Jacobs, 2005.
Grégoire Halbout est maître de conférences émérite en anglais, études cinématographiques et communication à l’Université de Tours. Il écrit en français et en anglais sur la comédie hollywoodienne ainsi que sur le genre et la sexualité dans le cinéma et la télévision contemporains. Ses recherches portent également sur les industries culturelles et les fictions télévisées. La traduction et l’adaptation de son livre en anglais, Hollywood Screwball Comedy 1934-1945. Sex, Love, and Democratic Ideals, a été publié par Bloomsbury Academic en février 2022 et figure dans la liste des « Outstanding Academic Titles of 2022 » du Magazine professionnel Choice aux États-Unis.
Grégoire Halbout – Annuaire laboratoire ICD – Université de Tours
Articles récents
Grégoire Halbout. « Generic Labeling: Gender Markers and Code Breaking in Hollywood Comedy ». Cahiers Interdisciplinaires de la Recherche en Communication AudioVisuelle, 2021, L’Art des génériques [Cinéma], 30, pp. 47-63. ⟨hal-03672492⟩
Grégoire Halbout. « Mentir c’est dire vrai. Changements de sexe et identités falsifiées dans la comédie hollywoodienne ». Vérités et mensonges dans le cinéma et les séries hollywoodiens, A.-M. Paquet-Deyris et D. Sipière (dir.), Presses Universitaires de Paris Nanterre, pp.193-203, 2021, 978-2-84016-479-1. ⟨hal-03671785⟩
Communications récentes
– Society for Cinema and Media Studies (SCMS), Annual Conference (Boston), Panel Comedy and its (Un)Conventions, “ ‘Now Ginger, Mind the Major!’ Classical Hollywood Comedy vs Censorship. When publicity gets things straight”, 14-17 March 2024.
– Colloque Qu’est-ce qu’une bonne série ?, ERC Demoseries (S. Laugier et T. de Saint-Maurice), « Is a good series the one that makes you see what you believe in? », Université Paris Panthéon Sorbonne, 21-22 novembre 2022
– Bi-annual ESSE Conference, Seminar no 1, American Pre-Code Movies: the Attraction of Forbidden Hollywood, « Sex and movie comedy: Pre-code Hollywood knew marriage is based on good sex ¼ and was not afraid to tell », Mainz, 29 August-2 September 2022
– Congrès annuel de l’AFEA, Université de Bordeaux, Panel The Evolution of Hollywood Canons, « Empowered Females and loose-cannons in contemporary English Speaking (romantic) comedy », Juin 2022
Max Kaario, Chercheur indépendant, maxkaario@gmail.com
Transitions Toward the Digital City and Its Impact on Vancouver’s DIY Music Scene
This paper will explore the intersection of digital urban planning, noise regulation, and the cultural consequences for grassroots music communities in Vancouver, Canada.
Vancouver is sometimes known as ‘no fun city’ or ‘quiet city’. These nicknames have been earned because of restrictions on nightlife activities. Arguably this quiet atmosphere has increased due to the transition toward digitalization in recent decades. As the city embraces technological innovations and contemporary urban planning strategies, this paper will examine how the ongoing digitalization of Vancouver has affected the local DIY music scene—specifically its impact on the presence of non-institutional artistic expression and the challenges of DIY venue sustainability.
Digitalization is accompanied by an increased emphasis on noise control, public safety, and surveillance, which has led to the closure of several DIY music venues. Local Vancouver musicians and communities have struggled with increasing noise complaints and stringent city bylaws aimed at reducing disturbances, particularly in residential areas where real estate prices have risen drastically. The digitalization of Vancouver is thereby correlated with gentrification, and the increased presence of digital workers- people working in cultural and information industries- whose demands for quiet living standards is detrimental to the already fragile ecosystem of DIY music makers and listeners.
In addition to urban policies, the growing role of surveillance technologies, including artificial intelligence-driven monitoring systems, may also play a part in shaping the values of public behavior. The presence of these systems in public spaces—particularly in neighborhoods with DIY venues—serve to subtly suppress forms of artistic expression that deviate from social norms. The repression of loud sounds and unconventional behavior in this context could be seen as part of an effort to « keep things safe, » but at the cost of silencing the vibrant, experimental energy of local music scenes.
Max Kaario is a Canadian artist, teacher and music event organizer living in Paris, France. Holding a doctorate at the Pantheon Sorbonne university, his research focusses on urbanism, radical art practice, and cybernetics. He has been organizing the cmptrmthtmtcs event series, which has invited hundreds of local and international performers and musicians to play in intimate Parisian places over the past 12 years. As a musician he has toured broadly across Europe and will release his next solo album on Bruit Direct disques in early 2025.
Jean-Charles Khalifa, Retraité, jean.charles.khalifa@univ-poitiers.fr
Passage de Bob Dylan à l’électrique : transition ou trahison ?
Dès 1964, Bob Dylan, icône de la contre-culture et du protest-song, amorce avec un disque intitulé Another Side of Bob Dylan, encore entièrement acoustique, sa transition vers l’électrique, qui lui vaudra au fameux festival de Newport l’année suivante une multitude d’accusations de « trahison ». On s’efforcera de montrer que ce passage procède d’une démarche d’ordre esthétique, et que la dimension subversive du rock, perdue dès 1959, va retrouver avec lui sa véritable vigueur. Autrement dit, c’est Dylan qui, en montrant le chemin, fait entrer, au mitan des années 60, le rock dans l’âge adulte. Pour cela, il lui aura fallu s’arracher à une tradition remontant aux années 30 et même avant, qui lie de façon indissoluble la protestation sociale à l’idiome du folk-song traditionnel.
MCF retraité, spécialiste de linguistique et de traduction, traducteur professionnel, et passionné depuis toujours de musiques traditionnelles anglo-saxonnes, essentiellement dans le domaine américain. A publié sur le blues, le country et Bob Dylan.
Ève Lebreton, Université Sorbonne Nouvelle, eve.lebreton@sorbonne-nouvelle.fr
“From Death to Birth” Musical Transitions in Gus Van Sant’s Last Days
In 2005, eleven years after the untimely death of Nirvana’s singer and frontman Kurt Cobain, film director Gus Van Sant released his eleventh motion picture, Last Days. A contemplative account of the final days leading up to the artist’s suicide, the film depicts the roaming of Blake (Michael Pitt), an estranged and forlorn musician walking the thin line between life and death, between a dilapidated oversized mansion and an inattentive, self-serving entourage. A controversial biopic both in shape and content, the film stands out by the assumed absence of any Nirvana’s songs and by the ways noise, sounds and songs actually build a musicality inside the movie’s cinematic landscape. The more Blake cuts himself off human ties and the world, the more Van Sant puts diegetic natural sounds to the foreground, blurring the line between stream of consciousness and reality. While the cinematography emphasizes the confusion and the growing fragmentation of the mind, soon to completely dissolve into annihilation, the transitions allowed by the merging of sounds, voices, words, music and songs give the movie its most prominent thematic cohesion: extra-diegetic prayers become MTV hits, distant mumbling overlaps XVth century French Renaissance chanson. Van Sant even indulges in meta-commentary, featuring one of Cobain’s most revered band of the time, Sonic Youth with Kim Gordon as a music executive and Thurston Moore as a music consultant for the film.
Yet Last Days amounts to more than the sum of its scattered musical references. The goal of this paper is to showcase a new outlook on the use of sound and music in films, where rather than being a narrative tool, it is the very subject it aims at propelling forward, effectively becoming the very sensorial and definitive embodiment of its protagonist’s transition from outcast junkie rock star to cultural icon.
Ève Lebreton holds a Master’s Degree in Philosophy of Science from Sorbonne University and an Agrégation in English. A bilingual writer, she is a doctorate student at the Sorbonne Nouvelle. Her dissertation studies the complex and multi-layered ways the life, works and legacy of Kurt Cobain deal with literary authorship. Her latest contributions have been about Cobain’s crossover between punk and pop and a paper on Cobain’s underestimated yet key role in Romanticism self-perpetuating. She currently teaches on both ends of the educational spectrum, to disadvantaged pupils in Saint-Denis and Music Mediation English at the Sorbonne Nouvelle.
Maëlyn Marliere, Université Sorbonne Nouvelle, paul.marliere@sorbonne-nouvelle.fr
Du « punk » à la « pop punk » : transformation et dépolitisation du mouvement punk américain dans les années 1990
À la fin des années 1980, le courant punk américain se fracture et divers sous-genres voient le jour. Parmi ces derniers, la pop punk a joui du plus grand succès commercial, incarné par les albums ‘Dookie’ (Green Day 1994) et ‘Smash’ (The Offspring 1994).
Au-delà de son succès commercial, la pop punk est également le sous-genre du punk qui s’éloigne le plus de son ancêtre, et pour cause, elle est non seulement plus mélodique que le punk, mais aussi bien moins politisée. Alors que le punk, vecteur du mal-être de la jeunesse, s’était développé au milieu des années 1970, pendant les États-Unis traversaient une crise économique, la pop punk est largement associée à une période de prospérité. Au début des années 1990, les États-Unis sont la première puissance mondiale suite à la chute de l’URSS. La pop punk californienne devient alors la musique d’une génération associée aux « teen movies » tels que la saga American Pie.
Les chansons de Green Day, Blink-182, ou encore The Descendents mettent l’accent sur la frustration adolescente, l’ennui, l’amour ou encore le sexe ; le plus souvent sous la forme de paroles humoristiques chantées sur fond de musique énergique. Cette dépolitisation de la pop punk s’accompagne d’une célébration d’une forme particulièrement hégémonique de la masculinité blanche, visible en particulier chez Blink-182.
Cette communication vise donc à étudier la transition du punk américain à la pop punk, afin d’interroger les mécanismes ayant permis la dépolitisation du genre. Nous nous intéresserons, de la même manière, aux changements esthétiques qui ont accompagné l’émergence de la pop punk, notamment les dynamiques de genre et la façon dont elles sont présentées par les artistes. Nous montrerons que la pop punk est l’évolution progressive du punk, processus déjà engagé dès les années 1970.
Maëlyn Marliere est actuellement en première année de doctorat à l’Université Sorbonne Nouvelle, sous la direction de Sarah Pickard. Son travail de thèse porte sur l’expression sociopolitique du corps, du genre et de la sexualité au sein de la sous-culture punk au Royaume-Uni et aux États-Unis de 1967 à 2024.
Julie Michot, Université de Lorraine, julie.michot@univ-lorraine.fr
Alfred Hitchcock ou l’art de la transition invisible
Alfred Hitchcock a toujours considéré les films muets comme la forme la plus pure du cinéma. Bien qu’il se soit facilement adapté à l’arrivée du parlant, il n’a jamais cessé de mettre en scène ses intrigues de façon visuelle en économisant les dialogues. Un plan de The Lady Vanishes (1938) résume les préoccupations esthétiques d’Hitchcock et ses stratégies pour créer le suspense. Vingt-cinq minutes après le début du film, un musicien des rues est assassiné, une scène charnière puisque la première partie du récit est dominée par l’humour. Malgré la sobriété technique apparente du passage (la caméra est fixe et le personnage lui fait face en plan rapproché), plusieurs forces sont en présence. Les mains meurtrières ne sont d’abord que de simples ombres sur un mur, des ombres en fait plus menaçantes que les mains elles-mêmes. La tension entre l’image et la musique est également essentielle : il y a contradiction entre la mélodie romantique et le danger imminent, d’autant plus que le personnage n’est pas conscient de ce danger. L’ironie réside dans le fait qu’il a le temps de finir de chanter, ce qui veut dire que les protagonistes (qui l’écoutent sans le voir) ne pourront soupçonner quoi que ce soit. Certes, les spectateurs en savent plus que les personnages. Et pourtant, Hitchcock fournit très peu d’informations : l’étrangleur est hors champ et il est impossible de savoir, à ce stade, pourquoi le musicien est tué, ou de deviner que ses vocalises sont en réalité le MacGuffin : un message codé dont dépend la paix en Europe. Ce n’est que dans la dernière partie du film que le public comprendra que cette scène constituait en fait un basculement, bien que la suite immédiate de l’intrigue garde un ton essentiellement léger. Cette communication propose de se concentrer sur cette scène de transition particulièrement subtile où la musique « anempathique » (selon le terme de Michel Chion) est produite par la victime elle-même, et où Hitchcock dose savamment visible et invisible, dit et non-dit, pour manipuler ses spectateurs.
Maître de Conférences HDR en Anglais à l’Université de Lorraine (Nancy), Julie Michot est spécialiste du cinéma hollywoodien classique. Elle est l’auteur de deux monographies : Billy Wilder et la musique d’écran : filmer l’invisible (Presses Universitaires de Reims, 2017) ; Fenêtre sur cour d’Alfred Hitchcock : sortir du cadre (Éditions Universitaires de Dijon, 2019).
Julie Momméja, Université de Lorraine, julie.mommeja@univ-lorraine.fr
From parking lots tapes to digital archives: the case of the Grateful Dead « tapers » community on the Internet Archive
Le 21 octobre 2015, l’organisation Internet Archive remettait à John Perry Barlow le premier trophée du « Internet Archive Hero » lors de son événement annuel, « Building Libraries Together, Celebrating the Passionate People Building the Internet Archive » à San Francisco. Si Barlow est reconnu comme pionnier libertarien du cyberespace, il est ici récompensé en sa qualité de parolier du groupe psychédélique Grateful Dead, devenu un symbole du libre partage d’enregistrements musicaux sur le site d’archivage numérique à grande échelle qu’est l’Internet Archive. Un partage et un accès à ces morceaux facilités par des fans du groupe, des « Deadheads » appelés « tapers », qui, avec l’accord des musiciens, enregistrent les concerts sur cassettes et les échangent entre eux depuis les années 1960, d’abord sur les parkings situés aux abords des salles de concert et désormais sur Internet (avec un total de 17 515 fichiers audios répertoriés en novembre 2024, les plus anciens remontant à des enregistrements de 1965).
Malgré lui, et grâce à l’autorisation de ces enregistrements, Barlow explique ainsi que le groupe a inventé le « marketing viral » (Barlow 2015). En effet, le réseau des « Deadheads », en enregistrant puis en partageant ces concerts au format cassette puis au format numérique, a contribué à la popularité du groupe et à sa postérité, mais il a également perpétué un sentiment d’appartenance communautaire propre à la contre-culture des années 1960 à travers une vénération quasi-religieuse qui se poursuit en ligne (McNally 2002 ; Richardson 2015 ; Barlow 2015).
Se basant notamment sur des travaux de recherche (entretiens, études de cas, observations participantes sur le terrain…) menés dans la Baie de San Francisco sur la contre-culture et également sur l’Internet Archive en tant qu’outil d’archivage et de sauvegarde de données et patrimoines culturels, l’article propose d’analyser la transition de l’analogue au numérique au travers de ces enregistrements de concerts et de leur numérisation par la communauté de fans que continuent de constituer les « Deadheads ».
Références
Barlow, John Perry. 2018. Mother American Night: My Life in Crazy Times. New York: Crown Archetype.
Gair, Christopher. 2007. The American Counterculture. Edinburgh: Edinburgh University Press.
Internet Archive. 2015. “Building Libraries Together, Celebrating the Passionate People Building the Internet Archive.” Internet Archive, San Francisco, October 21. https://archive.org/details/buildinglibrariestogether2015.
Markoff, John. 2005. What the Dormouse Said: How the Sixties Counterculture Shaped the Personal Computer Industry. New York: Viking.
McNally, Dennis. 2002. A Long Strange Trip: The inside History of the Grateful Dead. 1st ed. New York: Broadway Books.
Momméja, Julie. 2021. “Du Whole Earth Catalog à La Long Now Foundation Dans La Baie de San Francisco : Co-Évolution Sur La ‘Frontière’ Créative (1955-2020).” Paris : Paris 3 – Sorbonne Nouvelle. http://www.theses.fr/s100516.
Musiani, Francesca, Camille Paloque-Bergès, Valérie Schafer, et Benjamin Thierry. 2019. Qu’est-ce qu’une archive du Web ?. Marseille : OpenEdition Press.
Richardson, Peter. 2015. No Simple Highway: A Cultural History of the Grateful Dead. New York: St. Martin’s Press.
Roszak, Theodore. 1969. The Making of a Counter Culture: Reflections on the Technocratic Society and Its Youthful Opposition. Berkeley: University of California Press.
Schafer, Valérie. 2012. “Internet, Un Objet Patrimonial et Muséographique.” In . Musée des arts et métiers, Paris. http://minf.cnam.fr/programme-1.html.
Schafer, Valérie, and Alexandre Serres. 2016. Histories of the Internet and the Web. https://doi.org/10.13098/infoclio.ch-lb-0006.
Turner, Fred. 2006. From Counterculture to Cyberculture: Stewart Brand, the Whole Earth Network, and the Rise of Digital Utopianism. Chicago: University of Chicago Press.
Wolfe, Tom. 1968. The Electric Kool-Aid Acid Test. New York: Picador.
Julie Momméja est Maîtresse de Conférences en civilisation nord-américaine et en études médiatiques à l’Université de Lorraine.
Elle a obtenu son doctorat à la Sorbonne Nouvelle, où elle a rédigé sa thèse « Du Whole Earth Catalog à la Long Now Foundation dans la baie de San Francisco : coévolution sur la “Frontière” créative (1955-2020) ». De 2014 à 2017, elle a été chercheuse invitée à UC Berkeley et est chercheuse associée à la Long Now Foundation depuis 2015.
Ses travaux portent sur les pionniers et penseurs de la contre-culture et de la cyberculture de la région de la baie de San Francisco, depuis la Beat Generation jusqu’aux hackers Do It Yourself. Elle étudie l’émergence de la technologie comme outil social sur un territoire créatif ancré dans des idéologies utopiques et libertariennes et dans un contexte de coévolution homme-machine pensée sur la longue durée.
Eric Tabuteau, Université d’Orléans, eric.tabuteau@univ-orleans.fr
Transition ou transmission : L’absorption décriée de Fender par CBS en 1965 n’a-t-elle pas finalement permis au fabricant de guitares américain de se réinventer ?
La vente des marques détenues par Léo Fender à CBS (Columbia Broadcasting System) en janvier 1965 a largement été commentée par les spécialistes de l’histoire du fabricant de guitares américain comme un événement funeste ayant impacté négativement la qualité de ses instruments produits en Californie.
Pour ces critiques, la preuve en est que les guitares fabriquées antérieurement à cette date figurent parmi les plus recherchées par les musiciens professionnels, et leur prix de vente sur le marché de l’occasion atteint régulièrement des records.
Quant à celles qui ont été produites dans la période qui a suivi le rachat, elles ont été brocardées pour leur manque de fiabilité dû à des choix de production trahissant une obsession de la réduction des coûts.
S’il ne fait aucun doute que la transition d’un mode de fabrication encore en partie artisanal vers une production industrielle s’est effectuée dans la douleur, la marque aurait-elle pu conserver sa notoriété et sa compétitivité si elle avait opté pour le statu quo et décidé de continuer à produire à l’ancienne ?
Les difficultés qui ont émergé suite au rachat de CBS n’ont-elles pas obligé les équipes dirigeantes successives à concevoir l’entreprise comme une entité dynamique, appelée à innover au gré des évolutions du marché de la guitare, afin d’assurer sa prospérité ?
La présente communication s’efforcera de montrer que Fender est parvenu, à travers divers transformations et rachats, à trouver l’alchimie qui lui a permis de répondre à la demande d’une clientèle qui s’est largement démocratisée, tout en prenant en considération les attentes de musiciens professionnels anxieux de conserver une qualité instrumentale haut de gamme.
Eric Tabuteau est professeur de civilisation des pays anglophones à l’Université d’Orléans. Ses publications ont principalement porté sur les questions de multiculturalisme, d’immigration et de frontières. Passionné de guitare électrique, il s’intéresse aujourd’hui aux conséquences des stratégies commerciales mises en place par les grands fabricants de guitares américains, comme par exemple la délocalisation de leur production à l’étranger.
Jeremy Tranmer, Université de Lorraine, jeremy.tranmer@univ-lorraine.fr
Between Thatcher and Blair: the cultural and political transition of the Major years
During the 1980s, many musicians expressed hostility to the Conservative Prime Minister Margaret Thatcher, writing songs about her policies, performing at benefit concerts for her adversaries, recording benefit singles to support oppositional activities and denouncing her in interviews with the music press. Some musicians, such as Billy Bragg and Paul Weller, defined themselves politically against Margaret Thatcher, and opposing her became a central aspect of their ‘musicking’. However, after ten and a half years in office, Margaret Thatcher resigned in November 1990 and was replaced by John Major. Although the Conservatives remained in government, their dominance over British politics was weakened, as was exemplified by their defeat by Tony Blair’s New Labour in the 1997 general election. The Major years can thus be analysed as a period of political transition.
There are few academic studies of music and politics during this period, although it has been noted by Guillaume Clément that relatively few musicians actively backed New Labour in 1997 and that they simply gave verbal support to Tony Blair. This paper will therefore determine to what extent the Major years were also a time of quantitative and qualitative transition regarding musicians’ involvement in politics. It will suggest that the repertoire of contention developed by musicians during the Thatcher years was already being abandoned by the end of the 1980s and that this process accelerated in the early 1990s. This change resulted from political factors (such as the failure of musicians to dent Thatcher’s hegemony, the significantly weaker position of her successor, etc.), cultural factors (including the appearance of a new generation of more hedonistic musicians) and professional factors (Paul Weller, for instance believed that his musical career had suffered due to his political activities). However, concomitant with the declining involvement of musicians in parliamentary party politics was a continued commitment to anti-fascism and a growing interest in identity politics with the appearance of the Asian Underground scene. The nature of the cultural transition of the 1990s is thus more complex than it might appear at first sight, involving a broadened sense of the political among musicians.
Jeremy Tranmer is a senior lecturer at the Université de Lorraine (Nancy), where he teaches mainly classes about music and society/politics in the UK. Much of his research focuses on the 1980s and the attempts by musicians and the left to develop new forms of opposition to the Thatcher governments.
Ben Winsworth, Université d’Orléans, ben.winsworth@univ-orleans.fr
Sound, Style, Subculture: the Transitional Phenomenon of 60s Mod
This paper will consider the ways in which the mod subculture in the UK evolved because of its interaction with a variety of different musical genres and how the transitions in musical and stylistic taste that characterised mod reflected and influenced changes taking place in the wider cultural, social and musical landscape of the 1960s and beyond. From their early association with modern jazz in the late 50s; their abiding passion for R&B and soul that began in the early 60s; and a close identification with English bands like the Who and the Small Faces in the middle of the decade, mods embraced the ‘now’ but also – and always – in anticipation of the future and the dynamic transformations that tomorrow would bring. Robert Elms astutely referred to the mods as ‘heralds of a forward-looking decade’, but heralds who had – I will be arguing – more than a prophetic impact upon the world around them. Whether in helping to turn Britain into a ‘cooler’ place through their stylistic choices, or making the radio waves transmit more diverse and inclusive sounds through the music they danced to, even in providing fertile ground for groups like the Who to develop and carry the ideology and outlook of the subculture into the mainstream, mod was fundamental in helping to shape the exciting transitions taking place in the shifting identity of the new post-war nation.
Ben Winsworth is Senior Lecturer/MCF in English Literature and Popular Culture at the University of Orleans. He has published a variety of articles and book chapters on 20th century literature and also on pop/rock/youth subcultures. Most recently he has written a book chapter entitled ‘’Wake Up the Nation’: Modern Pop and the ‘Quest for a New England’’ in The Nation in British Literature and Culture, ed. Andrew Murphy, Cambridge University Press (2023) and he is currently co-editing a special edition of Sillages Critiques on ‘Rocking Romanticism’ due to be published at the end of next year.