Aurore Caignet, université de Rennes 2
“Without a Trace”? Shirley Baker’s photographic documentationof working-class communities in transition in the 1960s.
This paper seeks to explore the notion of “transition” through the prism of Shirley Baker’s photographic documentation of working-class life during the slum clearance in 1960s Manchester and Salford. A pioneering social documentary photographer – one of the rare female photographers who practised street photography in post-war Britain – Baker depicted working-class communities who were caught in the mutation of industrial cities in the north of England. Even though her photographs highlight the emotional dimension induced by forced change and the gradual demolition of familiar spaces, the slice of street life that she captured amidst the rubble reflects a resilience rather than simply a reluctance to move out and move on. She recorded moments of in-betweenness, with groups of children who creatively appropriated demolition sites as temporary playgrounds, thus illustrating their ability to adapt to an uninviting yet unexpectedly vibrant environment. Street scenes are often lively, and some compositions and juxtapositions are prone to elicit a smile from the viewer. This paper will focus on the publication Without a Trace (2018), which marked the reappraisal of Shirley Baker’s socially engaged photographic work, thereby highlighting its relevance to contemporary debates about urban regeneration and the displacement of low-income dwellers (ironically terraced houses were torn down to make room for apartment buildings which have now also been replaced). This collection of photographs also makes visible marginalised individuals – the poor, in general, mothers and children, in particular – whose experiences were largely overlooked during these urban upheavals.
Aurore Caignet is Lecturer in British studies at Rennes 2 University, France. She completed her PhD in 2018 with a thesis entitled Representing, Reinterpreting and Reimagining Industrial Heritage: The Promotion of Renewal in Post-Industrial Cities in the North of England (1970-2010). Her work is focused on industrial heritage and its representation, industrial landscapes, as well as on the regeneration of post-industrial cities and the reshaping of their image and identity. Her latest publications shed light on the work of documentary photographers Ian Beesley and Chris Killip.
Christine Dualé, université Jean Monnet, Saint-Etienne
Aaron Douglas. Peindre la transition picturale pendant la Renaissance de Harlem
Popularisé à la fin des années 2000 par Rob Hopkins, le terme « Transition » décrit un passage d’un état à l’autre. Ce changement entraîne aussi de profondes recompositions, qu’elles soient géographiques, environnementales, littéraires ou encore artistiques. Appliquer ce concept au domaine de l’art revient à étudier les changements et les phénomènes de modifications ou de mutations stylistiques. En effet, dans l’histoire de l’art pictural, le corps noir a longtemps été perçu comme cet « Autre », primitif, sauvage, exotique. Si des mises en scène de corps noirs stéréotypées se sont imposées au regard français, comme occidental, des 19 et 20èmes siècles, de l’autre côté de l’Atlantique, une transition stylistique s’effectua à partir des années 1920 grâce au regard d’artistes qui représentaient les Noirs tels qu’ils les percevaient et tels qu’ils devaient être. Aussi, il est intéressant d’observer ce passage d’un état à un autre, ou plutôt, dans le cadre de cet atelier, d’une représentation stylistique à une autre à travers le peintre noir américain de la Renaissance de Harlem : Aaron Douglas.
Dans les années 1920-1930, Douglas mit son art au service de la cause noire et il s’opéra une véritable transition stylistique. Avec lui, les Noirs ne sont alors plus vus et représentés à travers le filtre des stéréotypes mais dans toute leur modernité. Ils sont montrés comme des bâtisseurs et des participants actifs à l’histoire noire américaine. Nous verrons donc comment Douglas redéfinit la beauté et le corps noir à travers ses œuvres, ce qui amena, en une décennie, un changement profond de la représentation picturale des Noirs américains.
Christine Dualé est professeur des universités. Elle est l’auteur de monographies sur Langston Hughes et la Renaissance de Harlem et co-directrice de plusieurs ouvrages : De l’invisibilité à la visibilité : Visage(s) de l’inconvenant (PUBP, 2024) ; De l’Invisibilité à la visibilité : représentations des marges diasporiques (Résonances 2023) ; Culture et écritures mineures dans les Amériques (L’Harmattan 2020) ; Écritures minoritaires de la mémoire dans les Amériques (Babel 2019).
Anne-Valérie Dulac, Sorbonne Université
Véritable extrait de Shakespeare : Liebig ou le petit théâtre des images publicitaires (1872-1914)
Cette proposition est issue du travail que je mène cette année en tant que chercheuse résidente au MUCEM (2024-2025). L’objet de cette résidence de recherche consiste en la recension et l’analyse de toutes les cartes réclames de la collection faisant référence à Shakespeare. Le MUCEM possède en effet la plus grande collection de cartes réclames en France, héritée du MNATP. Mon enquête, fondée sur une analyse matérielle, iconographique et textuelle de ces objets, explore les voies par lesquelles le théâtre shakespearien et la figure de l’auteur sont (re)mis en scène et en jeu dans l’image commerciale.
Mon corpus est constitué de cartes produites ou distribuées en France pour la compagnie Liebig, à destination d’une clientèle française, entre les années 1872 et 1914. Il s’agit notamment de s’interroger sur la fabrique d’un Shakespeare français, européen parfois, à la veille de l’entrée dans la Première Guerre Mondiale. Je reviendrai brièvement dans un premier temps sur les raisons qui ont présidé à la définition de ce corpus et de cette périodisation. Mais parmi les multiples questions que posent ces images (et que j’entends rassembler dans une monographie à paraître), j’ai choisi de n’isoler pour cet atelier que celles qui résonnent avec la notion de « transition » qui nous occupera lors du Congrès. C’est pourquoi je me propose de me pencher plus spécifiquement sur les termes et les voies de la transition entre théâtre et chromolithographie d’une part, et entre domaine artistique et domaine publicitaire d’autre part. La réflexion que je propose abordera cette transition intermédiale sous un angle triple : les conditions de production de la carte réclame (dessinateurs, artistes, techniques et composition), la performance de l’image (choix des extraits, mise en scène, circulation) et, enfin, le choix des textes ainsi que l’interaction de l’image avec son verso.
Anne-Valérie Dulac est maîtresse de conférences en études élisabéthaines à Sorbonne Université. Ses recherches portent sur la miniature et le développement de l’aquarelle à la période élisabéthaine et jacobéenne. Elle est membre de l’ERC Chromotope et est accueillie pour l’année universitaire 2024-2025 en résidence de recherche au MUCEM (dans le cadre d’une délégation CNRS auprès de l’IHRIM).
Eleanor Parkin-Coates, Université de Lorraine
‘I am not my own grandfather’: Understanding George Cruikshank’s (1792-1878) transition from radical caricaturist into Victorian moralist
George Cruikshank (1792-1878) was a radical, political caricaturist of the Regency period, who critiqued arbitrary law and defended the free press. By the 1850s, he was a teetotal advocate and moral reformer, who expressed himself via pamphlets, public speeches, and letters to the press. The intervening period, between the 1820s and the 1840s, has been labelled as one during which Cruikshank ‘sketched and etched for nearly anyone,’ producing comic scrapbooks and collections, and illustrating serial literary works. The transition from his earlier political caricatures to what David Kunzle has termed ‘graphic bric-a-brac,’ has been attributed to Cruikshank’s financial motivation, his loss of interest in politics, and advances in printing technology.
Although not dismissing these factors, they do not explain the seemingly contradictory trajectory of Cruikshank’s career. To demonstrate that Cruikshank was not, in fact, his ‘own grandfather,’ and to reveal a coherent development from the radical caricaturist to the Victorian moralist, it is necessary to consider this period as one of transition. In doing so, we can understand how his anti-establishment productions evolved into a radical stance on teetotalism, how his patriotism and defence of “John Bull” persisted as social engagement and a wider concern for the public, and how his defence of liberty and press freedom transformed into a sense of agency to express his views via non-artistic means. We will thus consider how this period of transition, both in terms of his various combats and his choice of printed material, is key to understanding Cruikshank’s overall evolution.
Eleanor Parkin-Coates graduated with a bachelor’s degree in History and French from the University of Liverpool in 2018 and has since taught English in several departments at the Université de Lorraine. She simultaneously completed her distance-learning master’s degree in History with the Université de Franche-Comté in 2021. Her PhD research, under the supervision of Professor Stéphane Guy at the Université de Lorraine, and in cotutelle with Professor Rohan McWilliam at Anglia Ruskin University, focuses on the nineteenth-century artist and illustrator George Cruikshank and his engagement in public debate. She is also co-responsible for a new research club, “Culture and Politics,” which is part of the ORION programme at the Université de Lorraine.
Claudie Servian, Université Grenoble Alpes
Merce Cunningham, une transition esthétique révolutionnaire
- Merce Cunningham : Un art de l’entre-deux
La danse des années 1950 aux années 1960, aux États-Unis, représentée par le chorégraphe Merce Cunningham, peut se définir comme l’art de la recherche ; elle constitue une étape, une transition et s’inscrit dans un mouvement qui refuse l’héritage de la danse moderne et classique. Elle prépare le mouvement postmoderne sans être définie, elle est pré-post-moderne, entre deux. Elle marque un tournant vers une réflexion centrée sur le mouvement.
- Un pont vers l’affranchissement
Aux codifications, Merce Cunningham oppose l’affranchissement ; il propose des signifiants et des signifiés différents de ceux que l’on voit dans les productions de ses maîtres. Il décloisonne les frontières et les codes en créant un nouveau langage du mouvement et en élaborant de nouveaux codes : le musicien et le chorégraphe travaillent ensemble mais séparément, l’espace scénique se libère, le hasard remplace la composition, le mouvement de la vie quotidienne représente quelque chose en soi, l’esthétique de l’indifférence sert de tremplin à de futures investigations. .
- « Je suis entre maintenant et demain »
Merce Cunningham déclare « Je suis entre maintenant et demain » et cherche de nouvelles pistes pour aller plus loin. Il s’inspire de la philosophie zen pour créer son propre univers ainsi que du travail de Marcel Duchamp. Ses œuvres représentent le développement d’une danse expérimentale influencée par les écrits d’Artaud et de Brecht. Il est le symbole de l’art du mouvement toujours en mouvement. Explorateur et découvreur, il sert de passerelle entre un art figé dans une codification stricte et un art en mutation, libéré, affranchi. Il s’agit d’une étape vers une réflexion sur la pluridisciplinarité et l’hybridité des formes. Son travail à la fois reflète et génère des transitions.
Claudie Servian, Maître de conférences HDR, Université Grenoble Alpes, Spécialité : civilisation et culture étatsuniennes, art nord-américain danse étatsunienne. Ex-directrice du pôle universitaire Latour Maubourg à Valence comportant deux universités (Stendhal et Pierre Mendès France), DETU LEA (directrice des études) à Valence, actuellement Directrice des études de la licence Pro import/export, « Métiers du commerce international », Claudie Servian est membre des unités de recherche suivantes : l’ILCEA 4, le LISCA et l’axe C.C.T..
Wilson Tarbox, Ecole du Louvre
Third Text : from an Individual Artist’s Adventure to an International Forum on Postcolonial Art
This paper examines the first decade of publication of Third Text, Third World Perspectives on Art and Culture (1987-1997) in order to determine how the groundbreaking and innovative postcolonial art journal transitioned from its status as the brainchild of a single artist, Rasheed Araeen, to an international forum for exchange on various aspects of cultural production in so-called peripheral geographies and among diasporic artistic communities in the urban metropoles of Europe and North America. In the process, this paper also attempts to shed light on how demographic transitions affected British culture and politics at the turn of the 21st Century. The first part of this paper surveys the material culture of the journal, analyzing the design of early issues. The need to justify certain financial decisions and to negotiate the politics of public funding handed down by the Arts Council of Great Britain serves as a jumping off point to further explore the institutional relationships (and tensions) that the critical journal would go on to form with major American and European institutions such as MoMA in New York, the Pompidou Center in Paris and the Hayward Gallery in London. A final part will look more closely at how the profiles of Third Text’s main protagonists in its first decade of publication, including Rasheed Araeen, Jean Fisher and John Roberts, influenced its editorial evolution. The conclusion looks to how a limited staff and contributor pool expanded as the journal increased circulation and grew more popular over the course of the decade.
Wilson Tarbox was born in the United States and graduated Magna Cum Laude from Woodberry Forest School in Virginia in 2010, where he received the Niels Walker Visual Arts Award. Earning a degree in Art History at New York University in 2014, he was awarded the Jane Costello Prize for this honors thesis on Latin American Abstraction.
Wilson Tarbox subsequently worked as an English teaching assistant for the Académie de Rouen. He organized an exhibition of George Skelly’s drawings and published a catalog, actively involving his students in the project. The following year, he worked as an assistant for the Académie de Créteil while undertaking a Master’s in Comparative Literature at the University of Sorbonne Nouvelle, focusing on the cross-influences between Octavio Paz and Marcel Duchamp, and later on Paz’s ekphrastic poetry.
His doctoral project, supervised by Susana Gallego-Cuesta (EDL, Musée des Beaux Arts Nancy) and Charlotte Gould (University of Paris-Nanterre), explores the cultural history of the journal Third Text and its impact on museum policies and contemporary art discourses. As a translator and art critic, Tarbox has published articles in frieze, The Financial Times, The Art Newspaper, ArtPress, Hyperallergic, and L’Humanité.